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Schauspiel Frankfurt

Arthur Millers Einakter hatte 1955 in New York seine Uraufführung, eine deutsche Erstaufführung folgte 1956 im Schloßtheater in Berlin. Die vom Autor vorgestellte Handlung vollzieht sich in einiger Distanz zum Zuschauer, der auf die New Yorker Brooklyn Bridge versetzt wird, darüber gleichsam eine Überschau erhält. Miller stand nicht nur in dieser Hinsicht bei der Abfassung seines Stücks der Ablauf einer griechischen Tragödie vor Augen, sondern ebenso beim Handlungsverlauf: die Handlung in seinem Stück liefe mit gleicher Unausweichlichkeit auf die Zerstörung zu wie in einer griechischen Tragödie.

Indes ist das Geschehen in die Gegenwart Millers gesetzt, Ort ist ein Mietshaus im Hafenviertel, der Handlungsverlauf entfaltet sich aus einem komplexen Beziehungsgeflecht, im Grunde eine Eifersuchtsgeschichte, in deren Zentrum das aus Sizilien eingewanderte Ehepaar Eddie und Beatrice Carbone steht. Sie haben ihre verwaiste Nichte Catherine aufgezogen, die bereits in den USA geboren ist. Zu ihr fasst Eddie eine Zuneigung, die über väterliche Empfindungen hinausgehen und ihn dazu veranlasst, sein Mündel in allen Freiheiten einzuschränken. Die Situation eskaliert, als die beiden Cousins von Eddies Frau Beatrice aus Sizilien – Marco und Rodolpho – als illegale Einwanderer nach New York kommen. Rodolphe, der jüngere der beiden, verliebt sich Catherine, wie auch umgekehrt, Catherine in Rodolphe. Damit entfachen die beiden die Eifersucht von Eddie, der alle Möglichkeiten mobilisiert, sie auseinander zu bringen. Er geht sogar so weit, die beiden illegal in New York lebenden Sizilianer bei der Ausländerbehörde anzuzeigen. Nach ihrer Verhaftung wendet sich Catherine von ihrem Ziehvater vollständig ab. Dem Anwalt Alfieri, in der Frankfurter Aufführung durch eine Anwältin ersetzt, gespielt von Heidi Ecks, der bereits von Eddie kontaktiert wurde, um die Ehe zwischen Catherine und Rodolpho zu verhindern, gelingt es, die beiden Sizilianer gegen Kaution aus dem Gefängnis auszulösen. Marco bleibt eine kurze Frist, bevor er endgültig nach Sizilien zurückreisen muss, während Rodolpho die Ehe mit Catherine vor der Ausweisung bewahren wird. Als Eddie eines Tages in trunkenem Zustand nach Hause kommt und Catherine und Rodolpho in eindeutigem Zusammensein antrifft verliert er die Kontrolle über sich und es kommt zu einem tätlichen Übergriff, bei dem letztendlich Eddie tödlich verwundet wird.

Im „Blick von der Brücke“ laufen mehrere Themen zusammen, die schon vor Miller von hoher Brisanz waren und die nach wie vor von äußerster Aktualität sind. Das ist zum einen die Verhandlung von Emigration und Toleranz des Einwanderers als Arbeitskraft und neuem Staatsbürger, das ist zum anderen das konfliktbeladene Verhältnis zwischen den Generationen, die ihre je eigenen Standpunkte und Sichtweisen vertreten. Im Falle von Eddie, Beatrice und Catherine kommt noch das innerfamiliäre Drama hinzu, dass mit einer wechselseitigen Entfremdung der Eheleute wie auch ihrem Verhältnis zu der von ihnen an Kindesstatt angenommenen Tochter Catherine besteht. Eigentlich könnte das Hinzutreten von Marco und Rodolpho, den beiden aus Sizilien illegal eingewanderten Verwandten, die Auflösung des Konflikts herbeiführen. Doch tatsächlich wird er mir ihrem Kommen überhaupt erst eklatant – zum einen, weil einfach die Situation sich zunächst kaum merklich, dann aber immer deutlicher angespannt hat, zum anderen, weil mit Rodolpho Eddie ein konkreter Anlass gegeben ist, sich seiner Empfindungen voll und ganz bewusst zu werden. Rodolpho, der seinem Interesse an Catherine deutlichen Ausdruck verleiht, wird für Eddie zum Konkurrenten.

Doch wie gelingt es, die von außen, nämlich von der Brücke aus betrachteten Geschehnisse auf der Bühne darzustellen? Natürlich kann der Blick von der Brücke metaphorisch genommen werden und tatsächlich verbindet die Frankfurter Inszenierung die Ebenen. Der Blick von außen bzw. von der Brücke liegt ganz bei den Theaterbesuchern, während die Bühne die verschiedenen Handlungsverläufe auf einer Ebene zusammenführt. Das geschieht durch ein mehr oder weniger neutrales Spielfeld, einer Anordnung von kniehohen Wällen. Während des Spielverlaufs werden sie wiederholt gegeneinander verschoben, ohne dabei jedoch explizit Räume zu bezeichnen. Vielmehr werden lose die Aktionsradien der einzelnen Protagonisten angedeutet, die sich immer wieder ineinander verschränken, um dann an der einen oder anderen Stelle auseinander zu driften. Visuelle Anhaltspunkte liefern vor allem die Kostüme der Schauspieler, die soziales Milieu, Tätigkeitsfeld und individuelle Haltung andeuten. Am deutlichsten wird es in dem leuchtend grünen Shirt von Catherine, das sie unter einem ärmelfreien braunen Kleid trägt, dazu hochhakige Sandalen im gleichen Grün wie das Shirt. In dieser Bekleidung deutet sich ein Aufbruch in gleich mehrerlei Hinsicht an: der Abgang von der Schule, um eine lukrative Arbeitsstelle anzutreten, und der Abschied von der Kindheit und den Jugendjahren, um als junge Frau ins Leben einzutreten, was zugleich mit einer Ablösung vom Elternhaus verbunden ist. Catherines zukunftsfrohes Auftreten kontrastiert mit den gleichförmigen Tagesabläufen ihrer Zieheltern. Eddies Alltag besteht in der Arbeit im Hafen, der seiner Frau in der Sorge für Haushalt und Familie. Dem etablierten Leben der Familie steht die ungewisse Existenz der beiden Emigranten Marco und Rodolpho gegenüber, der der eine mit Arbeitseifer begegnet, der andere mit Lebenslust. So unterschiedlich wie in ihrer Lebensweise sind die beiden auch in ihrem Auftreten. Marcos Ernsthaftigkeit signalisiert der braune schlichte Anzug, Rodolphos Künstlernatur die legere, von hellen Farben bestimmte Kleidung.

Der vergleichsweise geringe Zeitrahmen, in dem sich die Handlung abspielt – wenige Wochen nur – spiegelt sich in der über den Spielverlauf hin mehr oder weniger unveränderten Bühnenausstattung und den gleichbleibenden Kostümen. Lediglich im Brautschleier, den Beatrice Catherine bringt, deutet sich das Fortschreiten der Zeit an. Catherine steht kurz vor ihrer Hochzeit mit Rodolpho. Eine zeitliche Dimension macht sich weiterhin im Auftreten der Anwältin bemerkbar, die gleich in mehreren Rollen in Erscheinung tritt. So begleitet sie den Verlauf als eine Erzählerin, die auf das Geschehen hinführt und am Schluss in einer Art Rückschau Eddies Wesen zusammenfasst. Zwischenzeitlich tritt sie in ihrer Rolle als Rechtsberaterin, zugleich aber auch als persönliche Beraterin auf. Mit ihrem Auftreten verleiht sie dem Stück einen festen Rahmen, der das Geschehen zeitlich zusammenhält und doch noch auf eine Zukunft für die Verbleibenden hoffen lässt.

BESETZUNG
André Meyer (Eddie Carbone)
Christina Geiße (Beatrice Carbone)
Nina Wolf (Catherine)
Omar El-Saeidi (Marco)
Arash Nayebbandi (Rodolpho)
Heidi Ecks (Mrs Alfieri, Anwältin)
Statisterie (Zwei Beamte der Einwanderungsbehörde)

Regie: Eric de Vroedt
Bühne: Dennis Vanderbroeck
Kostüm: Lotte Goos
Mitarbeit Kostüm: Katharina Kraatz
Musik: Remco de Jong & Florentijn Boddendijk
Stunt Coach: René Lay
Dramaturgie: Alexander Leiffheidt
Licht: Marcel Heyde

Junges Schauspiel Frankfurt in Kooperation mit dem Historischen Museum Frankfurt

Zeitzeuginnen und Zeitzeugen überliefern Geschichte lebendig, individuell und vor allem aus eigener Erfahrung. Zugegebenermaßen ist Zeitzeugenschaft subjektiv, doch gerade damit ergänzt sie die offizielle Geschichtsschreibung kongenial. Und gleichzeitig wirft sie die Frage auf, was eigentlich die offizielle Geschichte ist. Längst ist bekannt, dass die offiziellen Quellen keineswegs objektiv sind oder vielmehr, dass Objektivität nur für einzelne Standpunkte gelten an. Aber Standpunkte und damit Sichtweisen gibt es viel.

Das Team des Jungen Schauspiels Frankfurts hätte keinen besseren Ort für das Stück wählen können, als das Historische Museum und hier die die Ausstellung Zeitzeugenschaft? Ein Erinnerungslabor (die noch bis zum 4. Mai 2025 besucht werden kann) und die Bibliothek der Generationen (die zu den permanenten Einrichtungen des Museums gehört). Die Ausstellung stellt in Videos mit Gesprächen mit Überlebenden der Shoah Zeitzeugen vor und weist zugleich darauf hin, dass 80 Jahre nach Kriegsende die Zeugen dieser Periode kaum mehr selbst befragt werden können. Ihre Zeugenschaft bewahrt sich übermittelt, in Briefen, Aufzeichnungen, Videoaufzeichnungen. Und sie wiederum sind Teil der Bibliothek der Generationen. Bei der Bibliothek der Generationen handelt es sich um eine interaktive Installation der 1943 in Oslo geborenen Künstler Sigrid Sigurdsson. Sie ist selbst eine Zeitzeugin. Und die Geschehnisse in ihrem unmittelbaren Umfeld bilden den Hintergrund und den Ansporn für die Einrichtung sogenannter offener Archive. Die Bibliothek der Generationen ist ein solches offenes Archiv. Etabliert wurde es um die Jahrtausendwende, zu diesem Zeitpunkt noch unter der Bezeichnung „Bibliothek der Generationen“. Aufgerufen waren Zeitzeugen des Nationalsozialismus mit ihren Erinnerungen Archivschachteln oder Bücher zu befüllen. Als Gegenstand der aktuellen Bibliothek der Generationen sind sie frei zugänglich und dürfen an bestimmten Tagen unter Aufsicht von Interessierten eingesehen werden. In einer für ein Museum einzigartigen Weise ist es den Besuchern erlaubt, die Archivschachteln zu öffnen, die Aufzeichnungen in die Hand zu nehmen, zu lesen, zu betrachten und in die Erinnerungen von Zeitzeugen einzutauchen.

Inzwischen sind auf die Zeitzeugen der ersten Hälfte des 20, Jahrhunderts weitere Zeitzeugen gefolgt, die über ganz andere und doch wieder ähnliche Geschehnisse Zeugnis ablegen. Krieg und Flucht, Emigration und der Versuch, sich an einem neuen Ort, in einem fremden Staat, in einer fremden Stadt einzurichten, prägen die Erfahrungen. Und nicht nur der „Alten“, sondern auch junger Leute, Kindern und Jugendlichen. Auch sie finden Aufnahme im offenen Archiv im Historischen Museum in Frankfurt, dass inzwischen seine Bezeichnung angepasst hat.

Die Bibliothek der Generationen bildet nun also die Kulisse für Zeit für Zeugen. Das Junge Schauspiel war eingeladen, im Vorfeld im offenen Archiv wie auch der Ausgangpunkt Ende der Zeitzeugenschaft? zu forschen. Die Ergebnisse werden nun im Rahmen einer schauspielerischen Intervention einem breiteren Publikum präsentiert. Von höchst unterschiedlichen Standpunkten aus werden in den Blick genommen Familiengeschichten, Diktaturerfahrungen, Bildungswege, politische Kämpfe, Migration und der Umgang mit Krisen.

Ein Team von zehn Schauspielern geht der Zeitzeugenschaft nach, fragt, worin diese besteht und warum sie so wichtig ist. Eine Antwort schwingt bereits in der konkreten Aufführung mit, bei der nur acht Schauspieler anstelle der zehn zugegen sind. Die Abwesenheit spricht für sich, drückt mehr aus, als es Worte könnten. Die Abwesenheit wird zugleich aber auch von den Schauspielern, die zugegen sind, thematisiert. Ausdruck erhält sie unter anderem durch die wiederholte Äußerung „Immer wieder verschwinden Menschen. Ich möchte nicht, dass Menschen verloren gehen.“ Reflektiert werden eigenen Erfahrungen. Sie werden mit den Informationen von den Zeitzeugen zusammengeführt. Den Zuschauern werden die Überlegungen, die Auseinandersetzung mit einem hoch komplexen Thema in einer vielstimmigen Performance nahegebracht. Das Ensemble, das in seiner Zusammensetzung die Vielfalt von Kulturen und Schicksalen repräsentiert, vermittelt, warum die Erzählungen von Zeitzeuginnen und Zeitzeugen für uns heute relevant sind und Lebensgeschichten weitererzählt werden sollen. Während der Aufführung bewegen sich Schauspieler und Publikum durch die Ausstellung. Stellenweise teilt sich das Team und mit ihm die Zuschauer, um getrennt den Darbietungen zu folgen. Verloren geht dabei aber niemanden etwas von der Aufführung, denn im Anschluss an Szene bewegen sich die beiden Zuschauergruppen zu der Position, der sie nicht gefolgt sind. Die Schauspieler wiederholen ihr Spiel. Die Bewegung durch den Raum vermittelt zugleich, was es bedeutet, dazu zu gehören. Schließlich muss man sich an den Stellen, an denen sich das Team teilt, entscheiden, welchem Part man folgt. Und im Anschluss an die Aufführung bietet Martina Droste die Gelegenheit für Fragen.

TEAM
Konzept und Regie: Martina Droste
Kostüme: Anna Sünkel
Musik: Max Mahlert
Chorische Einstudierung: Christina Lutz

BESETZUNG
Pia Ackfeld, Isabella Beebe, Liam Belgorodski, Felix Brößler, Kayleigh Hornbostel, Lillo Hoursch, Livia Jarnagin, Lenz Leuenroth, Abdul Noorzei, Yevheniia Posmitieva

Schauspiel Frankfurt, Regie: Jan Bosse

Sicher zählen die Stücke von Anton Tschechow zu den Klassikern der Bühne. Gerade das Schauspiel Frankfurt bringt mit Regelmäßigkeit das eine oder andere zur Aufführung. Vordergründig scheinen Langmut, wenn nicht gar das sich in Langeweile erschöpfende Leben des wohlhabenden Bürgertums im Vordergrund zu stehen. Die Stücke von Tschechow fokussieren vornehmlich Aufenthalte auf den Landgütern während der langen Sommermonate. Die Anwesen dienen als Rückzugsort und bieten eine dem Leben in der Stadt entgegengesetzte Atmosphäre der Entspannung und Idylle. Doch scheinen die Protagonisten wenig von den Möglichkeiten auf dem Lande zu profitieren.

„Onkel Wanja von Anton Tschechow“ weiterlesen